CIÒ CHE I GRANDI ARTISTI POSSONO INSEGNARE AL FOTOGRAFO

Proviamo a "spostarci un po 'di lato" e considerare perché i fotografi dovrebbero anche studiare attentamente la grande eredità dei pittori del passato. Ciò che i fotografi possono imparare dal lavoro degli artisti.

150 anni fa, la fotografia ha iniziato a penetrare gradualmente nella sfera dell'arte che in precedenza apparteneva solo alla pittura, e questo ha causato molte controversie sul suo status. La gente ha discusso se la fotografia può essere considerata arte reale. Si può affermare che la fotografia e la pittura si sono fortemente influenzate a vicenda e che il lavoro del fotografo in molti aspetti non è troppo diverso da quello del pittore.

Comune a loro sono alcuni principi visivi sviluppati centinaia di anni fa e per molti aspetti ancora validi oggi. Sia i fotografi che gli artisti non lavorano con nient'altro che una semplice immagine bidimensionale. Il loro obiettivo è quello di dargli la vita, l'illusione del movimento e della profondità spaziale. Come possono farlo? Non c'è modo migliore per imparare se non quello di considerare le opere che sono state considerate opere d'arte per diversi secoli per una buona ragione.

Come enfatizzare un oggetto

Sin dall'inizio, la pittura ha prestato grande attenzione alla composizione. Negli affreschi egizi, figure più importanti furono dipinte dal più grande. Successivamente, sono state sviluppate le basi della composizione, i principi di verticale, orizzontale e diagonale. Questo è di grande interesse per i fotografi. Nel mondo reale ci sono solo punti e curve, è difficile trovare vere linee rette (al di fuori dell'architettura). Ma gli artisti hanno attivamente utilizzato l'astrazione di queste linee per dirigere consapevolmente gli occhi dello spettatore sulla parte più importante dell'immagine.

Quando guardi il dipinto di Raffaello "Il trionfo di Galatheas", vedi chiaramente le tre linee principali che definiscono l'essenza del quadro. La prima linea conduce lungo la freccia dell'angelo, situata a sinistra dell'eroina, e continua attraverso la corona della ninfa lungo le redini dei delfini. La seconda linea conduce lungo la freccia dell'angelo, situata a destra, e continua lungo l'asse del corpo della ninfa e altre figure situate sotto di essa. La terza linea è formata dal bordo della sciarpa e dei capelli, fondendosi insieme e svolazzando nel vento . E l'argomento principale del nostro interesse risiede all'intersezione di queste tre linee.

Notate anche come Raffaello abbia selezionato la figura di Galatea usando l'equilibrio della composizione: il gruppo di figure umane a destra ha un analogo a sinistra. Il ragazzo fluttuante nella parte inferiore della figura ha un contrappeso nella figura di un angioletto nella parte superiore della figura, con i loro corpi orientati in direzioni opposte. Queste varie direzioni creano anche l'illusione del movimento. Lo sguardo della ninfa e la direzione dei suoi capelli e sciarpa svolazzanti si oppongono alla direzione creata dall'imbracatura del delfino. Raffaello era ammirato per la sua capacità di disegnare figure in movimento libero. E in effetti, in questa immagine lo spettatore vede il vento soffiare su Galatea.

Spesso puoi imbatterti in metodi simili per controllare lo sguardo dello spettatore. Dai un'occhiata, ad esempio, al prossimo dipinto di Caravaggio, "L'incredulità dell'apostolo Tommaso". In esso, la linea di vista va direttamente alle ferite di Cristo, che, in effetti, sono il tema principale dell'immagine.

Organizzazione spaziale

Per organizzare lo spazio, gli artisti hanno anche usato le diagonali. L'opera di Delacroix "La morte di Sardanapalus" potrebbe facilmente diventare una miscela caotica di molti corpi, figure, sostanze e oggetti. Tuttavia, Delacroix ha fatto sì che Sardanapala si adagia su un tessuto rosso brillante, e questo tessuto distingue chiaramente due linee diagonali che facilitano l'orientamento nell'immagine.

Ma gli artisti non hanno solo lavorato con linee rette, ma hanno anche organizzato lo spazio nella foto con l'aiuto di curve che possono guidare l'occhio umano. Ad esempio, Rubens collegava un'intera processione che conduceva alla Vergine Maria, come un unico arco, supportato dai gesti delle figure e dalle inclinazioni delle loro teste. Questo attira l'attenzione dello spettatore e ti costringe a seguire la processione con gli occhi dal fondo dell'immagine alla figura di Maria stessa.

Il lavoro con le linee è stato utilizzato anche nella pittura di paesaggi, dove ha principalmente contribuito a creare un'impressione di spazio e prospettiva. Nel dipinto dell'impressionista Alfred Sisley, gli occhi dello spettatore seguono le linee formate dalle corone degli alberi, i tetti delle case e i bordi della strada, che si combinano nel terzo inferiore della tela e lasciano l'impressione di continuare il viaggio da qualche parte molto oltre la collina.

Contrasto di superfici chiare e scure

Un'altra tecnica spesso utilizzata dagli artisti è l'alternanza di superfici chiare e scure. Dimmerando l'intero ambiente, si seleziona l'oggetto immagine al centro. Ovviamente funziona anche il contrario: un oggetto scuro su uno sfondo chiaro ha lo stesso effetto. Spesso ciò contribuisce a un certo schema e semplificazione dello sfondo. Un parallelo è evidente con  l'uso della profondità di campo in fotografia. Rembrandt ha usato questa tecnica in modo molto efficace nel film "La riconciliazione di David e Absalom". I toni scuri sullo sfondo contrastano nettamente con la figura luminosa e radiosa in primo piano e conferiscono quindi un accento molto più forte.

La combinazione di aree chiare e scure aiuta anche a modellare il ritmo. Presta attenzione a come Caspar David Friedrich usa questa tecnica quando intreccia nebbia leggera e scure colline su quasi l'intera superficie del suo dipinto. Il ritmo è completamente continuo, mentre le cime della collina spiccano magnificamente.

Maestri della luce

Il lavoro con la luce , la sua direzione, intensità e concentrazione, era una delle più potenti tecniche di disegno, che fu utilizzata attivamente soprattutto dai maestri di pittura olandesi del 17 ° secolo e, naturalmente, da altri artisti. In questa tecnica, la figura più importante nella foto riceve più luce, mentre quelle meno importanti rimangono all'ombra, come si può vedere nel dipinto di Velazquez "Venditore di acqua a Siviglia".

Un approccio simile è osservato nella foto di Adrian van Ostade. Gli eventi principali in primo piano vengono evidenziati e gli eventi secondari sullo sfondo sono ombreggiati e sfocati. Porta anche un senso di spazio per lo spettatore.

Rembrandt è riconosciuto come il vero maestro del lavoro con la luce. E così c'è anche un effetto di illuminazione da studio, dal nome di lui, quando parte del viso di una persona è coperta di ombra e solo un occhio e un piccolo spazio triangolare sotto di esso sono illuminati. Questo tipo di illuminazione, chiamato "triangolo di Rembrandt", conferisce al ritratto un tocco drammatico.

Ai tempi dei maestri olandesi, fu scoperta anche la bellezza della luce naturale. Particolarmente famoso qui è Jan Vermeer. Vermeer, essendo più giovane di Rembrandt, iniziò a lavorare nella direzione della pittura, l'opposto del suo predecessore. Ha ammorbidito deliberatamente le transizioni ad alto contrasto e ha permesso alla luce naturale di brillare. I dipinti di Vermeer sono un'ottima fonte di ispirazione per imparare a sentire la normale luce esterna.

Guarda le foto, guardati intorno

Un'analisi delle tecniche compositive e l'uso della luce nella pittura può riempire le pagine di diversi libri. Ma, paradossalmente, padroneggiare diversi principi di base non richiede molto lavoro. Devi solo dare un'occhiata più da vicino. Guarda le immagini, guardati intorno e cerca attentamente le immagini visive. Non appena l'occhio si abituerà alla ricerca di linee, al comportamento della luce naturale o agli effetti di forti contrasti, noterà inconsciamente tutto ciò senza molto sforzo.

Che aspetto ha in pratica? Guarda le foto qui sotto.

Foto. La linea bianca dominante della panchina corre nella stessa direzione dello sguardo del vecchio e del percorso del corridore. Canon EOS 1000D, EF50mm f / 1.8 II, 1/400, f / 7.1, lunghezza focale 50 mm

Foto. La curva di restringimento guida lo sguardo e dà l'impressione di passare attraverso lo spazio. Canon EOS 1000D, EF50mm f / 1.8 II, 1/80, f / 8.0, lunghezza focale 50 mm

Foto. Il contrasto tra superfici chiare e scure è utile per fotografare le persone. Ma anche in una foto di un albero normale, puoi usare questa tecnica per creare una bellissima atmosfera. Canon EOS 1000D, Pentacon auto 2.8 / 135 MC, 1/200, f / 5.0, lunghezza focale 135 mm 

Foto. Puoi anche riscoprire l'amore di Vermeer per la luce naturale nelle strade vuote del mattino. Canon EOS 1000D, EF50mm f / 1.8 II, 1/200, f / 8.0, lunghezza focale 50 mm